여기에 자극 받아 내 맘대로 써보는 ECM 음반 추천

Pat Metheny의 음반이야 워낙에 많으니 추천이 쉽지 않겠지만, 개인적으로는 실험적인 악기 사용이 돋보였던 Orchestrion 앨범을 좋아한다, ECM은 아니지만.

조금 더 생생한 Egberto Gismonti의 연주는 Charlie Haden과 함께 했던 몬트리올 실황 앨범, In Montreal(2001)에서도 들을 수 있다. 활화산 같은 Gismonti의 기타 연주와 하늘을 뒤덮은 구름이 천천히 발길을 내딛는 듯한 Haden의 베이스 연주는 일품이다.

My Song은 분명 이견의 여지가 없는 Keith Jarrett의 히트앨범이지만, …
천천히 늙어가는 옆집 할아버지가 저녁 무렵 손녀에게 들려주는 피아노 연주를 내방 창가에서 훔쳐듣는 느낌의 (….) The Melody at Night, With You(1999) 를 놓치고 싶지는 않다. (옆집 할아버지, 알고보니 은퇴한 거장 재즈 피아니스트!)

Jan Garbarek 은 Hilliard Ensemble과의 협업을 통해 완전히 새로운 지점에서 목소리와 색소폰의 울림을 전달했다. Mnemosyne(1999)는 익숙한 악기의 새로운 모습을 보여준다. 이 앨범은 분명 소리 이상의 무엇을 전달한다.

Pat Metheny로 시작한 추천을 다시 Pat Metheny로 끝내는 것은 분명 편협한 선택이다. 그런데 Pat한테는, 그래도 된다.

New at Magnatune (Feb 16, 2005)

Eight new artists join us on Magnatune:
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hands upon black earth: solid, sensual, organic, languorous electronic
music
http://magnatune.com/artists/hube

Pain Factor: heavy metal with strong melodies and big riffs
http://magnatune.com/artists/pain_factor

Lizzi: groovy downtempo rock
http://magnatune.com/artists/lizzi

Wadsworth and Sampson: lute songs from the Renaissance
http://magnatune.com/artists/wadsworth

Professor Armchair: demented 19th century children’s music
http://magnatune.com/artists/armchair
재기 발랄, 약간 골 때리는 음악. 19세기 동요라니 .. :-)

Seth Carlin: fortepiano music from the early 1800s
http://magnatune.com/artists/carlin

Chris Harvey: gentle, intelligent electronic music
http://magnatune.com/artists/chris_harvey

Antonio Meneses: Bach Cello Suites
http://magnatune.com/artists/meneses
바흐는 이유가 없다. 그냥 듣고 보는 거다.

and 7 new albums from existing Magnatune artists:
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Stargarden: huge ambient compositions.
new album: “Music for Modern Listening”

http://magnatune.com/artists/stargarden

Artemis: deliciously groovy electro-pop
new album: Gravity
http://magnatune.com/artists/artemis

Paul Berget: renaissance lute, modernized.
new album: SL Weiss on 11 Strings 
http://magnatune.com/artists/paul_berget
류트라서 약간 기대하고 있음.

Lisa DeBenedictis: ethereal, shimmering textural pop.
new album: Tigers
http://magnatune.com/artists/debenedictis

DAC Crowell: ambient/electroacoustic New Music.
new album: The sea and the sky 

http://magnatune.com/artists/dac_crowell

c. layne: 1960s rock in a 21st century bedroom
new album: The Sun Will Come Out to Blind You
http://magnatune.com/artists/clayne

Claire Fitch: ambient cellist
new album: Ambiencellist Part II 
http://magnatune.com/artists/fitch
일단 들어보고 얘기하자. 이름은 거창하군. 엠비언트 첼리스트

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Check out the Magnatune blog, where you peek behind-the-scenes to see
what
it’s like trying to change the music industry:

http://blog.magnatune.com/

magnatune에 대해서는 여기를 참고!

남미의 음악을 듣는다는 것은 한편으로 안전하고 한편으로 위험하다.

이름도 낮선 먼 땅의 시기조차 알 수 없는 노래를 듣는다는 것은 시류와 무관하게 음악을 그 자체로 평가할 수 있게 해준다. 그것은 매우 행복한 일이다. 지난한 브라질의 정치적 역경 속에서 망명을 거듭하며 브라질 음악의 아버지, 트로피칼리아라는 장르의 출발점이지 정점이 된 한 음악가의 생애를 전혀 모른다해도 까에따누 벨로주(Caetano Veloso)의 음악을 듣는 것은 놀라운 경험이다. 모든 언어와 배경지식과 지역적 감정을 넘어서서 그의 음악은 사람의 마음을 움직이는 힘이 있다. 그렇다. 지긋지긋한 인디씬의 울궈먹음과 오버그라운드의 그 저열한 돈놀음 속에서 남미의 음악은 안전한 쉼터이다. 아무런 이즘(-ism)도 필요하지 않는.

모든 음악은 어떤 방법으로든 주변의 상황에 영향을 받는다. 슈게이징이건 로우파이건 홀로 어미의 배를 가르고 나오는 음악 따위는 존재하지 않는다. 그런 상황에 전혀 무지한 채 음악을 듣는다는 것은 때때로 정말 위험한 결과를 가져올 수도 있다. 깊이 생각치 않고 흐름에 무관심한 사람이 김민기의 “작은 연못”을 한갓 동요풍의 소품으로 치부하는 것은 정말 아쉬운 일이기 때문이다. 그래서 아무런 연고도 없는 이국의 음악을 멜로디만 흥얼거리는 것은 참으로 위험한 일이다.

어찌되었든 벨로주의 음악은 놀라운 음악이며 그 음악을 듣는 모든 이들의 가슴을 움직이는 힘을 가지고 있다.

이리도 길게 남미의 가수에 대해 긴 글을 쓰는 이유는 한 가지이다. 벨로주의 박스세트가 출현했기 때문이다.

이미 2002년에 출시된 이 박스셋트는 벨로주가 1967년에 발매한 데뷔앨범 domingo부터 2002년까지 발매한 40여장의 정규앨범이 LP케이스와 동일한 디자인으로 다시 포장되어 있으며, 3장의 보너스 CD를 포함하고 있다. 다만 74만원이라는 놀라운 가격! 50만원이라고 해도 수긍하기 쉽지 않은 가격이지만 수입 앨범이라는 현실을 생각한다면 불가능한 가격도 아니라는 것을 알게 된다.

매장에조차 단 1세트 밖에 없다고 한다. 아아 과연 이런 선물을 다시 소유할 기회를 만날 수 있을까?(과거에도 존 레논 박스세트를 놓쳐서 굉장히 후회한 적이 있다. 한정발매였으므로 현재는 구하는 것이 어렵다 한다.)

지금도 스피커에서 울리는 그의 목소리는 너무나 아름다운데 그 목소리를 소유하려는 나의 욕심은 너무나 원망스럽기만 하다.

PS 여기 저기를 뒤적거리다가 찰리 헤이든(Charile Haden)의 Steal Away라는 앨범을 발견했다. 거의 유일 무이한 흑인 영가의 재즈 연주라는 친절한 해설이 달려 있다. 물론 이 말이 진짜인지는 모르겠지만. 솔직히 들어보고 싶어 미치겠는데 어둠의 경로로는 방법이 없다. 수입 앨범 가격은 19000원. 라이센스 반은 15000원. 만만치 않다. 그리고 얀 가바렉(Jan Garbarek)의 신보도 발매되었다. 타악기 주자와 비올라 주자와의 협연이라는 소개가 되어 있는데 청음기로 들어본 1번 곡의 여운이 쉽게 잊혀지지 않는다. 곧 사게 될 것 같아 두렵다. 실은 너무나 사고 싶다.

태국의 가수랜다. 느므느므 예쁘다.
반해버렸다. +_+
이민갈까?
팬클럽도 있다. 가입할까? ㅡ ㅡz 흐음 고민고민
라이브 목소리는 열라 빠워풀하다.

앨범 수입되면 꼭 정품으로 사야지, 공연하면 꼭 찾아가서 봐야지 @,.@

music by Jesse Manno

조용한 곳에서
마음을 가라앉히고
눈을 감은 뒤에
들어볼 것.

내한공연도 못 보고.
아마 살아서는 다시 만날 수 없겠지.

Motion capture for the video clip for “deux pieds” by Thomas Fersen
from his album “Pièce montée des grands jours”.

3 minutes of animation with several simultaneous actors including
Thomas Fersen playing himself.

Decors and real accessories from the shoot.

++ 아마 근래에 새로 나온 삼성광고를 봤다면 눈에 익은 스타일일테지.
시그라프에 점점 카툰 랜더링을 이용한 작품이 많아지는데 지금까지 카툰 랜더링을 이용해 나온 화면 중 가장 맘에 든다.

당나귀를 돌아다니다보면 별 희한한 것들을 다 마주하게 된다. 이 사람도 그런 사람 중에 하나인데 내가 검색을 한 목적은 단지 london session orchestra가 참여한 앨범을 찾기 위해서였다. 크레이그는 영화음악판에서 활동한 사람인데 나름 영국에서 정규음악 코스를 밟은 종류의 사람인 듯 하다. 하지만 이렇게 우연히 알게된 음악의 경우에 가장 골치 아픈 점은 음악이 별로 끌리지 않는 경우인데 지금이 그 상황이다.

러브 액츄얼리(love actually)나 물랭루즈(Moulin Rouge), Kiss of dragon, William sheakspear’s Romeo + Juliet 처럼 잘 만들어지고 흥행에도 성공한 영화음악을 맡은 사람인데 . . . 내가 들어본 음악은 Plunkett & Macleane라는 영화의 오리지날 스코어이다. 별로 알려진 영화 같지도 않고 겨우 3년전에 DVD가 출시되었을 뿐이며 더구나 국내 개봉은 알 길도 없다. 음악은 대충 일렉트로니카와 오케스트레이션의 협연인데(당연하다. london session orchestra가 크레딧에 올라가 있으니) 괜찮긴 하지만 역시 내 취향은 아니다. all music guide.com 에는 대충 아래와 같은 짤막한 리뷰가 올라와 있다.

The score for the feature film starring Liv Tyler and Robert Carlyle, Plunkett & Macleane alternates somber orchestral passages reminiscent of Gorecki’s Third, the modern classical standby, with a few electronically enhanced moments more in league with Armstrong’s compatriots in Massive Attack and Alpha.

물랭루즈나 러브 액츄얼리 같은 경우는 스코어 몇 곡을 직접 들어본 일도 있고 선곡도 대단히 빼어난 영화여서 기대 만빵이지만 솔직히 이 사람의 음악을 들으면 잘 알 수가 없다. 내 귀가 빼어나지 못 한 점도 있다. 가령 지금 인터넷 라디오에서는 Pat Metheny의 노래가 끊임없이 길다랗게 이어서 나오고 있는데 굉장히 오래 전에 들었던 노래임에도 귀에 쏘옥쏘옥 들어오지만 과연 이 Craig 라는 사람의 음악을 그렇게 될지는 장담하지 못하겠다는 말이다.

결국 별로라는 두 글자면 끝날 것을 이렇게 길게 써버렸다.

PS. 찾아보니 꽤 대단한 사람인가 보다. 다시 들어바야게따 ㅡ ㅡ; 쳇 biography에 꿀리는 내 모습이라니.

바흐의 무반주 첼로는 빗소리와 거의 어울리지 않는다. 화가 날만큼.

적어도 바흐의 음악에는 어떤 강박증 같은 것이 없는 걸까? 혹은 정박 자체가 구속인걸까? 빗소리는 구속일까?
예전에는 바흐의 푸가를 들으며 그가 마초일지도 모른다는 생각을 했었다. 뭐 지금에서야 아무도 알 수 없는 것이겠지만 말이다. (연주한 글렌 굴드가 마초일지도 모를 일이다. 얼굴을 보면 그럴 법도 하다.)
여전히, 비오는 날의 선곡은 나의 미숙함을 드러낸다.
뭐 듣지?

황병기 듣고 말지 . . . 아니다 정답은 한영애다!

PS. 황병기가 더 좋군. . .. :-|, 그래서 오늘의 선곡은 황병기 가야금 연주집 침향무 중에서 3번곡 ‘숲-비’로 결정!
아 황병기 리마스터링 재발매반 다 사고싶다. 비싸지도 않은데

Thomas Demenga가 연주하는 바흐의 무반주 첼로 모음곡이다. 모음곡 1번은 Sandor Verses라는 작곡가(누군지 전혀 모름 ㅡ ㅡ;)의 곡과 함께 1장의 CD 로 발매되었고 모음곡 3번이 Elliot Carter(역시 처음 들어보는 현대 작곡가. 1909년 생)의 곡들과 함께 채워져 있다. 딱히 앨범의 제목도 없어서 Johan Sebastian Bach/Elliot Carter, Johan Sebastian Bach/Sandor Verses라는 제목이 전부다.

물론 이 앨범을 주저 없이 고른 이유는 바로 바흐의 무반주 첼로 모음곡!
Casals의 연주와 Wispelwey의 연주로만 들었는데 . . 오랫동안 벼른 후에 데멩가의 연주를 듣게 됐다. Casals의 연주는 오래 듣다 보면 카잘스의 존재를 잊게 만드는 연주이다. 그만큼 그의 존재는 희미해지고 곡의 선율 하나하나만이 살아나는 것 같은 느낌이다. 반면 비스펠베이의 연주는 굉장히 서정적이다. 그의 연주를 듣다보면 바흐의 곡이 이처럼 아름다운 곡이었구나라는 것을 느끼게 된다. G.Gould 의 피아노 연주에서 느껴지던 완벽한 이미지, 혹은 존경심과는 전혀 상반된 어떤 감정.
그런 면에서 데멩가의 연주는 대단히 독특하다. 별로 클래시컬 하지도 않고 그렇다고 Groove 하지도 않다. 정격연주인 듯 하면서도 어떤 자유분방함이 느껴지는! 정말 카잘스의 교과서 같은 연주와 비스펠베이의 서정성이 함께 녹아 있는 듯 하다. 늘 그렇듯 프로듀싱은 ECM 레이블의 설립자인 Manfred Eicher.

사실 ECM 에서 나온 오리지널 클래식 곡들은 좋은 평들을 받지 못하는 것 같다. Keith Jarrett의 골드베르그 변주곡도 그랬고, 몇 종류의 정통 클래식 레퍼토리들은 반응이 영 아니었던 걸로 기억한다. 자렛이 연주한 하프시코드 연주와 몇 곡의 바흐 연주를 사려 했을 때 단골 레코드 점 아저씨는 차라리 Paris consert 를 추천할 정도였으니까. 재밌는 것이 데멩가의 대부분의 디스코그라피가 현대 작곡가들의 작품들로 이루어졌다는 점이다. 바흐의 무반주 첼로 모음곡 4번은 윤이상, Hosokawa의 곡들과 함께 2002년에 발매되었고(Yun/Bach/Hosokawa), 이외에도 주로 Arvo Part, Gidon Kremer의 곡들로 이루어져 있고 바흐를 제외하고는 19세기 이전의 곡들은 거의 연주하지도 않는다.
사실 정말로 사고 싶었던 앨범은 바흐 첼로 모음곡 4번과 윤이상의 곡이 같이 들어있는 2002년 발매 더블 앨범이었으나 교보에서는 아예 찾을 수도 없었다. ㅡ ㅡ; 결국 교보에서 할인판매하던 수입 CD를 몽땅 뒤져서(그것도 3번이나!) 찾아낸 데멩가의 앨범 2장이 전부. 물론 이 앨범 말고도 사고 싶은 앨범이 널리고 널렸었지만(Devo의 한정발매 베스트 앨범 ㅠ ㅠ) 도저히 자금 사정 악화로 더 살 수는 없었으니 통탄할 일이로세.

You think too much by Scott Hill

음 좋은 노래야 . . .

음악을 듣는 것은 즐거운 일이다. 그런데 여기에는 몇 가지 숫자놀음이 끼어든다. 좋은음악을 들을 때는 즐겁지만 좋아하지 않는 음악을 듣는 것은 곤혹스러운 일이다. 좋은 음악 한 곡을 듣기 위해 시끄러운 수다쟁이를 마주해야 하는 것 또한 큰 고통이다. 더 큰 고통은 노래를 불러줬으면 싶은 사람이 마치 개그맨처럼 농짓거리만 하고 사라지는 것이다.

Magnatune은 위에 보이는 멋진 사람이 음반 산업에 드는 쓰잘데기 없는 돈과 말도 안되는 메이저 시스템의 관행을 겪고 난 뒤에 만들어낸 작은 Internet label 이다. 이 레이블에서 발매되는 음악은 방송국에서 언제나 들을 수 있으며 다운로드는 물론 미디음원과 같은 원본 파일도 다운이 가능하다. 그것도 꽤 괜찮은 음악들을 말이다. 제대로 된 플레이리스트가 항상 온라인 상으로 제공되고 레이블과 계약을 맺은 아티스트의 곡을 인터넷으로 직접 들을 수 있다. 운영은 기부금과 앨범 판매 비용, 곡의 상업적 이용으로 벌어들이는 저작권료를 통해 이루어진다.

사실 이 사람들이 돈을 어떻게 벌어들이건 나와는 별로 상관없는 일이다. 공짜를 이용하는 대부분의 사람들은 자신이 아무런 대가 없이 이용하던 물건들, 혹은 서비스들이 사라져 버리면 바로 대체할 것들을 찾기에 바쁘니까. 나도 별반 다르지 않다.

나는 어떤 매체에서도 이것과 비슷한 우리 나라의 움직임을 본 적이 없었다. 예전의 강아지 레이블이나 문라이즈 같은 레이블에서도 어느 정도의 음원 공개는 있었지만 단지 온라인으로 공개한 다는 것에만 의미를 두었을 뿐, 그것을 ‘팔아먹을’ 생각은 안 하는 것 같았다. 왜 꼭 음악은 CD로 팔아치워야 한다고 생각하는 걸까. 자신의 음악이 파일 형태가 되어 여기 저기 돌아다니는 게 그렇게 아까울까? 그게 다 돈이라서?
나라면 내 음악을 누군가 좋아해준다고 생각해서 꽤나 기분이 좋을텐데.
알 수 없다.

P.S 나는 음악이 소유하는 종류의 것은 아니라고 생각한다. 음악은 본질적으로 공유하는 것이다. 단 정당한 댓가를 지불한다는 전제하에 말이다.

future sound of london의 앨범 dead cities 가운데 다섯 번째 곡
Everyone in the world doing something without me.
딱 내 마음!

Bach의 Goldberg Variations 중에서 마지막 Aria Da Capo입니다. 연주는 Glenn Gould라는 캐나다의 피아니스트이구요. 이 사람은 일생 동안 Goldberg Variations가 담긴 두장의 앨범을 냈습니다. 그가 죽기 전까지 1955년 데뷔 레코딩으로 한 번, 1982년의 마지막 레코딩이 그것이죠. 얼마 전에는 캐나다 국영방송에서 연주했던 미공개음원이 음반으로 발매되기도 했습니다. 지독히도 연주회를 싫어해서 만년에는 레코딩에만 힘을 쏟았다고 합니다. 때문에 연주회에서의 실수를 두려워한다는 비아냥까지 들었지요. 하지만 글렌 굴드는 확고했습니다.

In a recording an artist can be encouraged to give a more immediately intense performance than he could under concert or theatre conditions.

나는 청중과 예술가라는 권력 질서에 반대한다. 청중을 일방적으로 수용하는 입장에 두는 것은 옳지 못하다. 말하자만 나는 맥루한 개념 같은 ‘창의적인 청중’이 필요하다. 콘서트는 청중들의 경제적 부담을 가중시키는 것이다. 그런 점에서 콘서트가 과거의 것이라면 레코딩은 미래의 것이다.

이렇게 말할 정도니까요. 20세기 초반의 클래식 연주자들은 레코딩에 관해 크게 두 종류의 반응을 가졌다고 합니다. 새로운 기술을 반기며 그 자체를 즐기던 사람들이 있었던 반면, 콘서트를 더 중시하고 일체의 레코딩을 남기지 않으려했던 사람들도 있었지요. 글렌 굴드는 대단한 레코딩 옹호자라고 할 수 있을 겁니다.

굴드는 자신의 생애 첫 레코딩으로 바흐의 골드베르그를 선택했으며 마지막 녹음 또한 같은 곡이었습니다. 굴드가 유독 바흐와 자주 연결되는 것도 그런 이유지요. 그가 남긴 레코딩만 보더라도 바흐의 곡들이 꽤 많은 수를 차지합니다. 하지만 정작 자신이 좋아했던 음악가는 바흐보다는 다른 작곡가였다고 하죠. 그리그였나? . . ㅡ ㅡ; 기억이 가물거리긴 하지만 아무튼 바흐는 아니었던 걸로 기억합니다.

이곡을 처음 알게된 건 아마 중학교 때였을 겁니다. 집에 클래식 음악을 해설해 놓은 책이 한권 있었는데 아쉽게도 집에 전축이나 레코드 판 같은 것이 없어서 책에 나온 곡들이 어떤 곡인지 전혀 알 수가 없었죠. 그러다 우연히 동네 시장통 초입에 있는 레코드 점에서 책에서 보았던 바로 이곡을 본 겁니다. 그때야 작곡가도 잘 모르고 겨우 알파벳이 집에 있는 책에서 본 것과 비슷한 걸 산 거지요. 중학교 때 테입을 사고 고등학생이 되어서 같은 앨범의 시디를 샀습니다. 재즈 피아니스트인 키스 자렛을 비롯해서 꽤나 많은 연주가들이 이 곡을 연주했더군요. 집에도 안드레이 가브릴로프가 연주한 바흐의 골드베르그가 하나 더 있습니다. 얼마 전에는 1955년도에 녹음한 골드베르그도 구해서 들어보았지요. 나중에는 캐나다 국영방송의 음원도 들어볼 참입니다. 하지만 계속해서 듣게 되는 건 굴드가 연주한 골드베르그더군요. 고등학교 때도 마음이 복잡하면 키스 자렛의 쾰른 콘서트나 이곡을 듣고는 했으니까요.

* 위 사진은 97년에 소니에서 발매된 오리지날 자켓 컬렉션 중의 하나입니다. 케이스는 종이로 되어있고 디자인 또한 LP발매 당시와 동일하게 만들어졌습니다.

바흐의 다른 곡들이 그렇지만 이 곡도 대단히 지적인 곡입니다. 푸가 작법이라던가 평균율 클라비어와 비교할 바는 아니지만요. 1731년 <쳄발로 연습곡집>의 마지막에 ‘다양한 변주의 아리아’라는 이름으로 처음 발표된 골드베르크 변주곡은 1742년에 온전한 제목의 골드베르그 변주곡으로 발표되었다고 합니다. 애초에 카이저링크 백작의 불면증 치료를 위해 바흐가 선물한 곡으로 많이 알려졌죠. 골드베르그는 카이저링크 백작을 위해 매일밤 이곡을 연주한 바흐의 제자 비르투오소 테오필루스 골트베르크의 이름에서 따온 것이라고 하네요. 레너드 번스타인 지휘의 콜럼비아 심포니와 글렌 굴드가 협연한 피아노 협주곡 1번이나 레너드 로즈와 함께 연주한 비올라 다 감바와 쳄발로를 위한 소나타도 굉장히 좋은 곡이지만, 글쎄요. 역시 글렌 굴드가 연주한 이 골드베르크의 마지막 아리아는 뭐라 표현할 수가 없는 울림 같은 것이 있는 것 같습니다. 특히 이 비디오의 마지막, 연주가 끝나고 속으로 깊이 웅크리는 듯한 굴드의 모습은 숙연함을 느끼게 하죠. 바흐의 곡을 연주한 다른 연주들이 곡의 지적이고 합리적인 질서를 강조한 연주라면 글렌 굴드의 연주는 그 질서 안에서 어떤 정서적 울림을 끄집어냅니다. 그래서 그 딱딱한 푸가곡마저도 굴드를 통과하면 또 다른 감정의 분출을 맛볼 수 있으니까요. 아직까지 글렌 굴드의 여러 연주를 즐겨듣는 건 그런 이유인가 봅니다.

* 스티븐 소더버그 감독의 <솔라리스(Solaris, 2002)>를 보시면 혹성 탐사선에서 울려퍼지는 골드베르크 협주곡을 만날 수 있습니다.